Pedagogía y Dirección de las Artes Escénicas

Señas de Identidad por Alberto Omar Walls.

2011-02-28T05:30:00.004Z

Desapareció el teatro aficionado en Tenerife de otros tiempos. Agrupaciones independientes mantuvieron durante años, en los barrios de Santa Cruz, la afición teatral. Sólo queda en pie de aquella época el Teatro Guimerá, exponente ahora de una actividad programada desde arriba. Mas en él no caben ya los grupos aficionados. Pero estupendo que hayan nacido salas teatrales en pueblos de la isla: Tejina, Tacoronte, El Sauzal, Guía de Isora, Los Cristianos… Y antes que se pierdan todos los recuerdos podría surgir la idea de crear un museo o centro de documentación teatral, porque está por hacerse una recopilación de las historias individual y social que se produjeron en torno al Guimerá, Círculo de Bellas Artes, Paraninfo, Teatro Leal, el Viera y Clavijo, el XII de Enero… aunque muchas aportaciones sustanciales han hecho determinados estudiosos del acontecer teatral insular, como es el caso de Francisco Martínez Viera (Anales del teatro de Tenerife), Domingo Pérez Minik, Rafael Fernández Hernández, Manuel Perdomo Afonso, Sebastián Padrón Acosta, Luis Alemany, Salvador Martín Montenegro, Alfonso Morales y Morales, Jorge Rodríguez Padrón… El magnífico actor Tito Galván Tudela nos recordaba que don Gregorio Chic, quien estuvo de Primer Portero en el Teatro Guimerá desde 1930 hasta el 61, recopiló y dejó para la posteridad un generoso legado de valor intangible incalculable reunido en veintitrés volúmenes: ¡muchos programas y fotografías depositó en el Archivo Municipal!

Con sus avatares, gloria y penurias, desde hace ya 156 años, en el Guimerá han actuado famosos actores, actrices, cantantes y músicos. Traigo al papel algunos pocos nombres que ya no les dirá mucho a algunos, pero hay que nombrarlos: Estrellita Castro, Marcos Redondo, Enrique Borrás, Mariano Ozores, Alfredo Kraus, María del Carmen Prendes, Carlos Lemos, Alejandro Ulloa, Antonio Machín (debutó el sábado de gloria 8 de abril de 1950), Guadalupe Muñoz Sampedro, (madre de Luchy Soto y Luis Peña), Analía Gadé, Pastor Serrador, la tinerfeña de voz de oro Matilde Martín. Tres veces actuó la legendaria actriz María Guerrero, quien impusiera definitivamente en España que las luces de sala se mantuvieran apagadas durante toda la representación, hasta que llegamos a los artistas experimentales de sesenta, y las volvimos a encender para obligar a participar al público en nuestros juegos de provocación… Maruchi Fresno, Amparo Rivelles, Pepita Serrador y su hijo Narciso, Adolfo Marsillach, Nuria Espert, José Bódalo, Berta Riaza, y muchos más…

Y ha sido ese edificio en el que también se desarrolló la producción generada en la isla y donde muchos de nosotros, cuando asumimos la entrega teatral, nos movimos en su escenario y, aunque sólo sea por la devoción y respeto debidos me vienen a la memoria nombres de quienes estuvieron sobre las tablas de su espacio escénico, fueran actor, autor o director: Eloy Díaz de la Barreda, Teresita Corbella, Manuel Escalera, Emilio Sánchez Ortíz, Yamil Omar, José Luis Fajardo, José Manuel Cervino, Paco Álvarez Galván, Pascual Arroyo, José Luis Maury, Elfidio Alonso, Gilberto Alemán, Maite Acarreta, José Luis García, Vicente Fuentes, Jacinto del Rosario, Fabry Díaz, Francis del Rosario, Domingo Velázquez, Fernando H. Guzmán, Ignacio García Talavera, Eduardo y Ángel Camacho, Marisol Marín, Agustín Paredes, Tito Galván, Sabas Martín, Celia Castro, Cipriano Lorenzo, Eusebio E. Galván…

Estos son sólo algunos nombres con los que convivió mi generación, y se quedan otros por reseñar porque es grande la lista, y lo será ajustada cuando se levante acta incluyendo también a directores, críticos y autores, programadores, responsables de las políticas teatrales y los públicos, a los porteros y técnicos, carpinteros y tramoyistas, a los maquinistas e iluminadores…

En 1971 la especulación del suelo amenazó al Guimerá de demolición junto a la Recova Vieja para construir aparcamientos. Se hubiese repetido la lamentable desamortización, cuando en 1836 se les enajenó a los dominicos el Convento de Santo Domingo. Aunque parezca exagerado, me recuerda ese intento a las terribles maneras de las guerras de depredación étnica, levantando muros o cuando centros artísticos y de la cultura se transforman en objetivos prioritarios de la destrucción por parte del poderoso enemigo: lugares y obras de arte colectivas son destruidas porque precisamente forman parte de la identidad (inviolable) de los pueblos. Así los egipcios, conscientes de su gran patrimonio, están tutelando sus museos de la barbarie colectiva, aunque no pudo detenerse la de los grandes especuladores de los museos milenarios de Irak cuando entraron a saco en el país en la indecente ocupación orquestada por occidente hace tan pocos años. ¿Y quién no conserva aun el terrible recuerdo de Yugoslavia; de los Budas de Bamiyan, o Palestina y Líbano? Cualquier tipo de olvido consentido o ignorancia contra nuestros intangibles, también derriban nuestras señas de identidad

Los Teatros Públicos Reclaman la Autogestión. Las Gentes del Teatro Parafrasean a Lope: "¡De cuando acá nos vino que un político viva de un cómico!" por Rosana Torres.

2010-12-28T05:56:00.002Z

La situación ya ha sido denunciada. Las administraciones públicas, fundamentalmente municipios de toda España, se quedan con el dinero de la taquilla de los espectáculos de teatro para cubrir otras necesidades, no pagan a las compañías y el sector teatral, que vive uno de los mejores momentos de su historia, está al borde de la quiebra por culpa de la morosidad municipal. En España, fuera de Madrid y Barcelona y poquísimo más, los teatros pertenecen a las administraciones, pero en cambio, y también fuera de esas dos grandes ciudades, el teatro lo hacen compañías y empresas privadas. La perversión llega al punto de que son muchas voces las que denuncian estos hechos, incluso parafraseando a Lope de Vega: "¡De cuando acá nos vino que un político viva de un cómico!".

Esta situación chusca y paradójica también la sufren los responsables de teatros públicos, ya que ellos no son los morosos, sino los que quieren prestigiar sus teatros y para ello va por delante ser buenos pagadores.

Estos días la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública ha celebrado un encuentro internacional que ha reunido, el martes y el miércoles, a más de un centenar de responsables de teatros públicos de España y representantes de espacios escénicos de Holanda, Inglaterra y Alemania. El seminario, en un contexto acentuado por la crisis económica, abría un marco de reflexión sobre la sostenibilidad de los espacios públicos, la optimización de sus recursos y la concepción de la cultura y las artes escénicas como servicio público.

Una de las conclusiones a la que han llegado es la necesidad de dotar a estos espacios de un nuevo modelo de gestión: "Un marco que profundizará en aquellas fórmulas legales que doten a los espacios públicos de mayor autonomía de gestión", se señala en las conclusiones del encuentro.

Lo cierto, como han comentado los representantes de otros países, es que hay otros modelos europeos que avalan la sostenibilidad de gestión pública "más allá de la mera percepción mercantilista de la cultura y de las voces que ponen en la privatización la solución mágica a un supuesto problema de insolvencia", dicen.

Durante las próximas semanas, La Red, en colaboración con otros espacios escénicos europeos, avanzará en la redacción de un manifiesto que después trasladará a las distintas esferas de la administración local, regional y nacional.

"Debemos profundizar en las fórmulas legales que permitan la autonomía en la gestión y promover que estos proyectos se desarrollen conforme a una perspectiva realmente profesional en términos de gestión de recursos, de eficacia y eficiencia", sostienen desde la Red. ELPAIS.COM - Madrid - 16/12/2010.

¿Es esta mujer realmente la mejor actriz teatral de la historia? por Walter Oppenheimer ( I Parte )

2010-12-28T05:07:00.001Z

Los británicos adoran las listas de éxitos y les encanta decidir quién o qué ha sido el/la/lo mejor de la historia. La mejor novela, la mejor película, el mejor gol, el mejor delantero centro, el mejor plato de comida, el mejor chef, el mejor vino, el mejor primer ministro, el personaje más influyente, el mejor lo que sea.

Quizá una de las listas llamadas a crear más polémica es la publicada ayer por la revista teatral "The Stage", que arrastra 130 años de historia y ha declarado a Judi Dench, de 76 años, como la mejor actriz/actor teatral de todos los tiempos en todo el mundo.

La polémica no será tanto para discutir el talento de Dench, ganadora de siete premios Laurence Olivier entre otros muchos galardones teatrales –aunque un solo Oscar de la Academia (a la mejor actriz secundaria por Shakespeare enamorado en 1998)– sino por el hecho de que es imposible juzgar a los actores del pasado y porque, oh casualidad, los diez finalistas elegidos por expertos para ser votados por el público eran británicos. ¿De verdad no hay un solo actor no británico en todo el mundo, en toda la vida, que merezca estar entre los diez mejores?

¿Es esta mujer realmente la mejor actriz teatral de la historia? por Walter Oppenheimer ( II Parte )

2010-12-28T05:01:00.001Z

En la votación final, a lo largo de 10 semanas, Judi Dench obtuvo el 21,5% de los votos. Detrás de ella quedaron Maggie Smith (18,2%, en la imagen encima de estas líneas), Mark Rylance (15,1%), Ian McKellen (13,5%), Laurence Olivier (11,5%), Paul Scofield (7,7%), John Gielgud (4,1%), Michael Gambon (3,5%), Vanessa Redgrave (3,2%) y Ralph Richardson (1,6%).

Los diez finalistas surgieron de una lista de unos 70 actores de cualquier país y cualquier época elaborada por 16 expertos a partir de los 10 actores preferidos de cada uno de ellos. Entre los nominados en esa lista inicial estaba Tespis, considerado el padre de la tragedia griega, y actores del siglo XVIII como Edmund Kean (1789-1833), David Garrick (1717-79) o Sarah Siddons (1755-1831). Los 10 finalistas fueron no sólo británicos, sino todos ellos contemporáneos.

El crítico teatral de The Guardian, Michael Billington, se declaró ayer en su blog encantado conque el premio haya recaído en Judi Dench pero al mismo tiempo subrayó que el concepto mismo de la nominación "no significa nada porque está sujeto a dos objeciones evidentes". "La más obvia es que ninguno de nosotros es capaz de comparar a los ilustres que llevan años muertos con los que están felizmente vivos", escribe. "El otro punto clave es que la noción de lo que constituye una gran actuación cambia de una generación a otra",hasta el punto de que una nueva generación de actores supera a la anterior "al descubrir un nuevo naturalismo". "Además, el actuar se ha visto transformado por factores externos: el auge de los directores, el crecimiento del conjunto, la dominación de la televisión y el cine".

"Por todas estas razones, la búsqueda del mejor actor de todos los tiempos por The Stage es poco más que un ejercicio de promoción comercial: incluso si se centrara en el pasado reciente y en el presente, me chocan las omisiones de Michael Redgrave, Peggy Ashcroft y Edith Evans entre los 10 mejores", subraya. Y opina, que puestos a seguirle el juego a The Stage, "si tuviera que nombrar al mejor actor que se recuerda –que no es lo mismo que el mejor de todos los tiempos- nominaría a Olivier" (en la foto).
"Tuve la fortuna de ver casi todas sus actuaciones desde 1955 y nunca he visto a nadie como él. ¿Qué le hacía tan grande? Su electrizante presencia física. Su osadía interpretativa. Y una voz que aún resuena en mis oídos", sintetiza.

El crítico del Daily Telegraph, Charles Spencer, le ha escrito a la triunfadora un sentido mensaje público bajo el título "Un mensaje para tí, Judi Dench". La actriz se tomó muy a mal una ligera crítica que Spencer vertió el año pasado cuando subrayó "algunos pequeños fallos" de la actriz en cierta obra. "Siempre le he admirado pero ahora me doy cuenta de que es usted una mierda absoluta",le escribió ella "de forma admirablemente directa", explicaba ayer el crítico. Dench añade en la nota, refiriéndose a una ocasión en que se cayó: "Sólo lamento no haber tenido la oportunidad de darle una patada cuando me caí; quizás la próxima vez".

¿Es esta mujer realmente la mejor actriz teatral de la historia? por Walter Oppenheimer ( III Parte )

2010-12-28T04:49:00.002Z

"Siempre guardaré como un tesoro una carta tan franca y abierta de una gran mujer que espero que encuentre algún día en su corazón la manera de perdonar mi impertinencia", escribe Spencer.

Aunque el crítico no cuestiona que Dench merece encabezar la lista de los diez finalistas, no deja de subrayar que no le sorprende que esté toda ella compuesta de actores vivos o muertos hace no tanto tiempo "cuyas actuaciones aún arden con brillo en la memoria". "La gloria y al mismo tiempo la tristeza de actuar en el escenario es su carácter efímero", añade. Y matiza: "Las grandes pinturas duran siglos, los grandes libros siempre estarán ahí para ser leídos, las grandes interprertaciones musicales han sido grabadas desde hace casi un siglo. Con el teatro, sin embargo, una gran interpretación desaparece en el instante mismo en que se acaba la obra, a menos que haya sido filmada; y ese es un fenómeno relativamente reciente y no hay vídeo que pueda hacer realmente justicia a la viveza de una representación teatral".

"Es una actriz de variaciones infinitas que siempre sigue siendo ella misma. Puede oscilar de la tragedia a las series de televisión, prácticamente roba cada película en la que aparece (¿quién ha podido olvidar su Isabel I en Shakespeare enamorado?) pero donde brilla como en ningún sitio es sobre el escenario", sostiene.

Nadie duda del talento de Judi Dench, ¿pero puede alguien realmente asegurar que se trata de la estrella más grande que ha pisado jamás un escenario teatral? Quién sabe. Quizás sí. Quizás no.

Los Ayuntamientos en España asfixian al Teatro en el 2010 por Rosana Torres... !!!

2010-12-14T23:14:00.001Z

La morosidad de las administraciones pone contra las cuerdas a las compañías - Los productores denuncian que la recaudación de las taquillas se destina a pagar otras deudas municipales... !!!

El teatro español no está en crisis: nunca tanto público ha acudido los espectáculos. Sin embargo, pocas veces ha estado tan estrangulado. La paradoja tiene también su carga de ironía: el teatro, tan necesitado siempre de ayudas, está siendo ahora quien financia a las instituciones públicas, sobre todo municipales. "Los grupos estamos poniendo dinero de nuestro bolsillo. Van a cerrar salas y compañías, es una tragedia porque si las administraciones cumplieran podríamos vivir este momento dulce del teatro", critica Juan Margallo, presidente de Artemad y fundador de Tábano y Uroc Teatro.

"Estamos poniendo dinero de nuestro bolsillo", se queja Juan Margallo

A Jesús Cimarro le deben 850.000 euros. A Juanjo Seoane, 500.000

El dinero que entra por taquilla no va a parar a las compañías como siempre había ocurrido, sino que se desvía para cubrir otras necesidades de los Ayuntamientos. Ello se debe a que la práctica totalidad de los espectáculos que se ofrecen por toda España son privados, pero los espacios donde se representan son de gestión pública, a excepción de Madrid y Barcelona, donde la situación está más o menos normalizada.

Daniel Martínez, presidente de la Federación de Asociaciones de Empresas de Teatro de España (Faeteda) y presidente también del grupo Focus, analiza la situación: "El sistema que se ha fraguado durante el periodo democrático ha sido beneficioso para crear un tejido teatral". Pero llegó la actual crisis. "Y la oferta pública está afectada por los problemas de las instituciones. Se nota en dos aspectos: la reducción de las programaciones por el recorte de los presupuestos, sobre todo para la cultura, y el aumento de la morosidad que afecta de manera grave a la subsistencia de algunas compañías. De no remediarse esta situación se verá afectada su viabilidad. No reclamamos privatizar el sistema, sino aportar modos privados a la gestión pública. Cuesta mucho crear hábitos teatrales y muy poco destruirlos", concluye Martínez, quien señala que en Cataluña los efectos de la crisis están más amortiguados.

Juanjo Seoane, que ha producido más de 100 espectáculos (actualmente La violación de Lucrecia, de Shakespeare, protagonizada por Núria Espert; El pisito, con dirección de Pedro Olea, y Un tranvía llamado deseo, de Williams, con dirección de Mario Gas), asegura que, a pesar de abarrotar teatros, los interventores municipales se niegan a entregar el dinero de taquilla y a pagar el caché en el tiempo estipulado. "Tras tres años sin cobrar 17.500 euros de un Ayuntamiento andaluz, provoqué una orden de embargo y me pagaron inmediatamente, pero 5.000 euros se me fueron en procuradores y abogados", explica.

Los Ayuntamientos le deben a Seoane cerca de medio millón de euros. Pero el problema no acaba aquí. Como le obligan a dejar la factura por el importe que le adeudan, la espiral aumenta. "El Gobierno me obliga a abonar el IVA de esa factura y si no, me cae multa y con recargo. Esto es el acabose. ¡Tiene que intervenir el Gobierno! ¡Nos están arruinando!", exclama Seoane.

Hay más denuncias como la de Jesús Cimarro, presidente de la Asociación de Productores y Teatros de Madrid y hombre de la escena hace décadas. Él tiene en estos momentos seis obras de gira e incide en que están financiando a las administraciones. Como propietario de Pentación Espectáculos le deben 850.000 euros: "Debo adelantar sueldos y el IVA de un dinero que no recibo. Pago religiosamente y el beneficio se lo comen los intereses. Tengo cuatro líneas de crédito saturadas y si me paso de ese tope, los bancos me cobrarían entre un 15% y un 20% de intereses. Es una sangría y esto estrangula a cualquier compañía".

"Puede estallar la situación", denuncia Juan Margallo. Él recuerda que son 1.200 grupos los que pululan por los teatros de España con unos 3.000 espectáculos. Concha Busto, empresaria, distribuidora y productora, no es más optimista: "La Administración puede terminar hundiendo al teatro, se lo van a cargar, es tremendo lo que está pasando". EL PAIS.COM Madrid - 13/12/2010

Vídeo: Performance-Art "Pedro Garhel in Memoriam".

2010-12-10T04:47:00.009Z

Pedro Garhel es un artista muy conectado con las corrientes y formas expresivas que en esos momentos comenzaba a ser líneas de fuerza en toda Europa, en ese sentido su trabajo de performance estaba muy unido a su práctica audiovisual tanto en aquellos trabajos videográficos de valor eminentemente documental como en aquellos otros de carácter específico desarrollados como video performances.

Pedro Garhel: Trayectoria de un Performer Canario.

2010-12-10T04:40:00.000Z

Su trayectoria resulta clave si se analiza el desarrollo de la relación arte/tecnología en el contexto español pero sin duda es un referente inexcusable en cualquier revisión que se quiera realizar del territorio de la performance y las artes de acción. Garhel como artista, sin duda, y como activador de la escena artística y cultural del Madrid de los 80 ha sido un personaje del que no se puede prescindir al dibujar un panorama completo y veraz de esa época. Pedro en su forma de entender el arte / vida comprendió como pocos la importancia de generar contexto para dejar que sucediesen cosas, para permitir el acontecimiento, para generar los vínculos, para estar haciendo, creando, en presente continuo. Pedro posiblemente ejemplifique el artista vinculado a su proceso creativo contínuo en el aquí y ahora. Un presente sucediendo que ha sido el tiempo en el que Pedro Garhel ha conjugado su obra... su vida.

Espacio "P": Espacio de Performance-Art de Pedro Garhel y Rosa Galindo en Madrid.

2010-12-10T04:35:00.001Z

Pero sin duda dentro de esa función del artista como comunicador cultural y generador de relaciones y conexiones el proyecto del que fue artífice en el Madrid de los 80 Espacio "P", con P de polivalente es una pieza clave en el contexto del trabajo de Pedro Garhel. Espacio "P" no era sólo Pedro Garhel, de hecho es imposible no tener en cuenta la importancia de las relaciones y sinergias de toas la personas que construyeron Espacio "P", pero este espacio está pegado a la biografía del artista como los siameses entre sí, crisol de experiencias e intercambios, este espacio fue escenario de acción, debate, creación actuaciones musicales, performances, copas, risas, talleres, proyecciones de video, un espacio pleno de vida que fue uno de los ejes fundamentales de la vida cultural y artística de ese momento. Siquiendo el ejemplo de diferentes iniciativas internacionales ( "The Kitchen", "La Fábrica", "Frei Universitat") en las que los artistas ponen en pié proyectos que den cabida a las experiencias que estaban desarrollando en esos momentos y que no encontraban respuesta por parte de las galerías, los museos y las instituciones públicas.

Espacio "P": Espacio de Performance-Art de Pedreo Garhel y Rosa Galindo.

2010-12-10T04:30:00.000Z

Garhel traslada a una nueva sede el valioso material archivado y toda la documentación compilada en Espacio "P". Este nuevo emplazamiento constituye su proyecto de referencia en los últimos años el Em[P]aquetado del Arte es un espacio que prosigue en las líneas de trabajo y dinamización del entorno que son propias en el artista. En este espacio se realizaron numerosas exposiciones, actividades y programas de debate y encuentro sobre arte, cultura y sociedad. El proyecto que en los últimos años había ido cobrando forma era el de la creación de la Fundación [P] precisamente un proyecto que tenía como fin último conservar proteger y difundir el patrimonio construido fruto de los intercambios y conexiones que Espacio "P" había propiciado a lo largo de los años. Este anhelo quedó en suspenso para Pedro, pero estamos ante presente disponible para seguir construyendo."

Biografía de Pedro Garhel: Perfil del Artista Performer Canario.

2010-12-10T04:22:00.002Z

Pedro Luis García Hernández – Pedro Garhel – nace en el Puerto de la Cruz (Tenerife) el día 26 de agosto de 1952 y fallece en La Guancha (Tenerife) el día 06 de diciembre de 2005.

Pedro Garhel, artista polifacético y multidisciplinar, es uno de los pioneros en el campo del arte electrónico e interactivo. Vive y trabaja en Madrid entre 1974 y 1997. Se inicia en el ámbito de la performance a mediados de los años 70 y trabaja en el campo del video arte desde 1979. Es fundador y director del Espacio "P" (Madrid, 1981-1997), así como iniciador del grupo de acción visual y sonora Depósito Dental, junto a Rosa Galindo (desde 1983).Durante los años 90 es profesor de arte y ordenador de la Facultad de Bellas Artes, Universidad de Salamanca. Sus dibujos, fotografías, pinturas, performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras han sido expuestas, desde 1969, en galerías, museos, muestras y festivales nacionales e internacionales, entre ellos en la Documenta 8 de Kassel y el ZKM / Center for Art and Media, de Karlsruhe (Alemania), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (España) y el festival Ars Electronica de Linz (Austria).

Resumen Biográfico de Pedro Garhel por Lola Dopico.

2010-12-10T04:10:00.001Z

"Dejarse llevar por la curiosidad y recorrer la trayectoria de este artista nos permite darnos cuenta desde un primer momento que estamos ante un proyecto de arte/vida singular y extraordinario, merecedor de un espacio propio en el arte contemporáneo español. Lo intenso del recorrido , la solidez de su proyecto sostenido a lo largo de una extensa carrera es un flujo oculto apenas desvelado. Aunque la documentación compilada por el artista es de una asombrosa magnitud, nos resultan demasiado escasos los estudios críticos de su trabajo, no habiéndose realizado hasta el momento una compilación importante y un catalogo razonado de su obra. Junto con esta dispersión del material y los escasos ejercicios de revisión y catalogación de su trabajo se ha de sumar la trayectoria de un artista que ha dejado un rastro inconfundible en cuanto a su alto nivel de experimentación e incluso a veces cierta provisionalidad de un proyecto artístico conectado eminentemente con las experiencias emergidas del devenir vital. Sin embargo en el caso de Pedro Garhel esta cierta transitoriedad de la experiencia, en la que no ha habido tiempo al ejercicio antológico, retrospectivo, esa huida intencionada de la mirada atrás que dota de un poso de legitimidad institucional a una trayectoria, es un signo de radical coherencia en plena consonancia con su forma de conjugar la práctica artística. Siempre en presente, en el estar haciendo, siempre intentando ir un paso más allá.

Su trayectoria resulta clave si se analiza el desarrollo de la relación arte/tecnología en el contexto español pero sin duda es un referente inexcusable en cualquier revisión que se quiera realizar del territorio de la performance y las artes de acción. Garhel como artista, sin duda, y como activador de la escena artística y cultural del Madrid de los 80 ha sido un personaje del que no se puede prescindir al dibujar un panorama completo y veraz de esa época. Pedro en su forma de entender el arte / vida comprendió como pocos la importancia de generar contexto para dejar que sucediesen cosas, para permitir el acontecimiento, para generar los vínculos, para estar haciendo, creando, en presente continuo. Pedro posiblemente ejemplifique el artista vinculado a su proceso creativo contínuo en el aquí y ahora. Un presente sucediendo que ha sido el tiempo en el que Pedro Garhel ha conjugado su obra... su vida.

Pedro García Hernández, Pedro Garhel, nace en el Puerto de la Cruz, Tenerife, en 1952. De su primera etapa como creador podemos encontrar una especial relación con las cualidades expresivas de la pintura y el dibujo aunque posteriormente comienza a abrirse a la experimentación con otros medios. Hacia 1974 se instala en Madrid donde su trabajo artístico rápidamente comienza a centrarse en torno al trabajo de performance a realizar en esos momentos junto con la artista- poeta Rosa Galindo. De esta primera época es imposible no tener en cuenta el carácter revulsivo de piezas como "Escultura Viva", realizada en la Plaza de Colón en 1977.

Pedro Garhel es un artista muy conectado con las corrientes y formas expresivas que en esos momentos comenzaba a ser líneas de fuerza en toda Europa, en ese sentido su trabajo de performance estaba muy unido a su práctica audiovisual tanto en aquellos trabajos videográficos de valor eminentemente documental como en aquellos otros de carácter específico desarrollados como video performances.

Para Pedro el artista ha de desdoblarse para generar campos de fuerza y sinergias a su alrededor, parte de su función como artista está diseminada en múltiples territorios a través de diversidad de conceptos y de una importante heterogeneidad de medios que abarcaron además de su experimentación en territorios como la pintura, la performance, la instalación o el vídeo una continuada relación con la música, la composición y la experimentación escénica a través de Deposito Dental. Esta línea de investigación fue un territorio de inmersión fundamental para el artista desde sus primeros años , dotado de una extraordinaria sensibilidad y predisposición natural, su formación era eminentemente autodidacta, lo cual no le impidió mantener una intensa relación con la experimentación sonora dejando tras de si un importante bagaje de grabaciones con Deposito Dental primero ( grupo constituido por Pedro Garhel y Rosa Galindo) y posteriormente en colaboración con otros creadores como con los que trabajaba de forma habitual como la estrecha relación mantenida con Hugo Westerdahl o con Clónicos

Pero sin duda dentro de esa función del artista como comunicador cultural y generador de relaciones y conexiones el proyecto del que fue artífice en el Madrid de los 80 Espacio "P", con P de polivalente es una pieza clave en el contexto del trabajo de Pedro Garhel. Espacio "P" no era sólo Pedro Garhel, de hecho es imposible no tener en cuenta la importancia de las relaciones y sinergias de toas la personas que construyeron Espacio "P", pero este espacio está pegado a la biografía del artista como los siameses entre sí, crisol de experiencias e intercambios, este espacio fue escenario de acción, debate, creación actuaciones musicales, performances, copas, risas, talleres, proyecciones de video, un espacio pleno de vida que fue uno de los ejes fundamentales de la vida cultural y artística de ese momento. Siquiendo el ejemplo de diferentes iniciativas internacionales ( "The Kitchen", "La Fábrica", "Frei Universitat") en las que los artistas ponen en pié proyectos que den cabida a las experiencias que estaban desarrollando en esos momentos y que no encontraban respuesta por parte de las galerías, los museos y las instituciones públicas.

Espacio "P" permanece activa desde 1981 hasta el año 96/97 con momentos de diferente intensidad en las actividades y en las orientaciones, el fin de esta etapa está marcada por el regreso del artista a Tenerife que se produce en torno a 1998.

Garhel traslada a una nueva sede el valioso material archivado y toda la documentación compilada en Espacio "P". Este nuevo emplazamiento constituye su proyecto de referencia en los últimos años el Em[P]aquetado del Arte es un espacio que prosigue en las líneas de trabajo y dinamización del entorno que son propias en el artista. En este espacio se realizaron numerosas exposiciones, actividades y programas de debate y encuentro sobre arte, cultura y sociedad. El proyecto que en los últimos años había ido cobrando forma era el de la creación de la Fundación [P] precisamente un proyecto que tenía como fin último conservar proteger y difundir el patrimonio construido fruto de los intercambios y conexiones que Espacio "P" había propiciado a lo largo de los años. Este anhelo quedó en suspenso para Pedro, pero estamos ante presente disponible para seguir construyendo."

"Corteo" de Cirque du Soleil.

2010-12-06T13:40:00.006Z

Corteo, que significa "cortejo" en italiano, es una procesión alegre, un desfile festivo imaginado por un payaso. El espectáculo reúne la pasión del actor con la gracia y el poder del acróbata para sumergir al espectador en un mundo teatral de diversión, comedia y espontaneidad, situado en un espacio misterioso entre el cielo y la tierra.

Vídeo: "Corteo" de cirque du Soleil"

2010-12-06T12:50:00.003Z

Las fotos payaso su propio funeral tendrá lugar en una atmósfera de carnaval, vigilado por los ángeles en silencio cuidado. La yuxtaposición de la grande con lo pequeño, lo ridículo con lo trágico y la magia de la perfección con el encanto de la imperfección, la muestra pone de relieve la fuerza y la fragilidad del payaso, así como su sabiduría y bondad, para ilustrar la porción de la humanidad que es dentro de cada uno de nosotros. La música, por turnos lírica y juguetona, lleva Corteo a través de una celebración atemporal en la que la ilusión se burla de la realidad.

Vídeo: "TOTEM" de Cirque du Soleil, Fragmento de Música.

2010-11-18T01:35:00.001Z

‎"TOTEM", espectáculo del "Cirque du Soleil", con este vídeo que contiene parte de la "Música de TOTEM", traza el fascinante viaje de la especie humana, desde su estado primitivo de anfibios a su último deseo de volar. Entre la ciencia y la leyenda, el programa analiza los vínculos entre el hombre y otras especies, sus sueños y su potencial infinito".

"TOTEM" espectáculo del "Cirque du Soleil". Personaje "Danzarín Amerindio".

2010-11-17T23:36:00.000Z

‎"TOTEM", espectáculo del "Cirque du Soleil", traza el fascinante viaje de la especie humana, desde su estado primitivo de anfibios a su último deseo de volar. Entre la ciencia y la leyenda, el programa analiza los vínculos entre el hombre y otras especies, sus sueños y su potencial infinito".

Vídeo: "Totem" de Cirque du Soleil - Trailer

2010-11-17T23:27:00.000Z

‎"Huellas de "TOTEM", el espectáculo de "Cirque du Soleil", el fascinante viaje de la especie humana desde su estado original de los anfibios a su último deseo de volar. Los personajes evolucionan en un escenario que evoca una tortuga gigante, símbolo del origen de muchas civilizaciones antiguas".

"Inspirado en los mitos fundadores muchos, "TOTEM" ilustra, a través de un lenguaje visual y acrobático, el progreso evolutivo de las especies. En algún lugar entre la ciencia y la leyenda TOTEM explora los vínculos que el hombre se unen a otras especies, sus sueños y su potencial infinito".

Vídeo Promocional: "Reyes que amaron como Reinas" de la Compañía Teatral Canaria "Clapso".

2010-10-25T21:19:00.001+01:00

En cuanto a 'Reyes que amaron como reinas' es una adaptación libre de la obra homónima del historiador Fernando Bruquetas de Castro y donde el eje principal propone un acercamiento novedoso y revelador a la homosexualidad a través de personajes relevantes de la vida pública, tales como emperadores, reyes o políticos que practicaron una sexualidad libre pero llena de contradicciones e hipocresía, y que fueron además víctimas de las razones de estado y de las maquinarias de poder a través de los siglos.

En total son seis los intérpretes que se ponen en la piel de gobernantes que vivieron ocultando sus verdaderas pasiones. El humor y la música son ingredientes de esta obra en la que se hace un recorrido desde los griegos hasta la actualidad.

La voz principal corre a cargo de la cantante Sonia Santana, ex componente de Olé Olé, que regresa a los escenarios en este montaje de Clapso en el que comparte cartel con Mingo Ruano, David García, José Carlos Campos, Víctor Formoso y Rosa Díez.

Respecto al montaje escénico se complementa con un recorrido musical por diferentes temas de Queen, Alaska y Donna Summer, entre otros iconos gays que convierten a esta obra en un espectáculo "delirante" de 90 minutos.

Vídeo: "Reyes que Amaron como Reinas" Trayectoria de la Compañía Teatral Canaria "Clapso".

2010-10-25T20:52:00.003+01:00

Producciones Escénicas Clapso desarrolla su actividad creativa desde 1991 en Las Palmas de Gran Canaria. La mayor parte de nuestros trabajos están relacionados con la escena pero siempre con una vocación innovadora y dinámica, de ahí la permanente implicación en proyectos de teatro de calle, carnaval o producciones específicas para eventos como ferias y congresos.

Contamos con 17 estrenos teatrales, desde la comedia a la danza contemporánea, pasando por el teatro infantil y los musicales. Más de 700 acciones teatrales en todos los rincones del Archipiélago Canario.

Nuestros montajes han recorrido 57 teatros y auditorios de todo el país, sus plazas, calles, mercados, estadios... donde más de 800.000 espectadores han sido cómplices de estos 17 años de trabajo en el campo de las artes escénicas.

En la actualidad, Clapso produce y distribuye sus propios espectáculos teatrales, con un apartado específico de infantiles. A su vez, crea espacios de ocio para grandes superficies y diseña campañas de promoción. Produce, para ferias y congresos, actos de inauguración y clausura; crea espectáculos para cenas de gala y participa de grandes eventos como el Carnaval de Las Palmas de Gran Canaria.

Vídeo: "Reyes que Amaron como Reinas" de la Compañía Teatral Canaria "Clapso".

2010-10-25T20:34:00.000+01:00

El Teatro Arlequín de Madrid abre temporada con “Reyes que amaron como Reinas” del 15 de septiembre al 31 de octubre. Seis intérpretes dan vida a estos gobernantes que vivieron ocultando sus verdaderas pasiones. El humor y la música son los ingredientes de este paseo por la historia que nos lleva desde los griegos hasta la actualidad.

La voz principal del espectáculo la pone la cantante Sonia Santana, ex componente de Olé Olé, que regresa a los escenarios en este montaje de Clapso dirigido por Israel Reyes.

El reparto lo completan Mingo Ruano, David García, José Carlos Campos, Víctor Formoso y Rosa Díez. Este Cabaret en rosa nos invita a descubrir el otro lado de la historia a través de un recorrido musical con temas de Queen, Alaska o Donna Sumer. Iconos gays para un espectáculo delirante de 90 minutos que invita a entrar en las alcobas de los hombres que un día gobernaron el mundo.

Venta de entradas: www.entradas.com - www.elcorteingles.es - www.atrapalo.com

Teatro Arlequín, San Bernardo, 5 – semi esquina GranVía Funciones a las 20.30 / precio: 22 euros – miércoles y domingos: 18 euros

Vídeo: Cirque du Soleil - "O"

2010-10-07T22:35:00.000+01:00

‎"El Circo du Soleil" nicho circular entre montes Soleil teje un tapiz acuático de arte, surrealismo y amorío teatral en la producción eterna, "Oh". Inspirada por el concepto de infinito y la elegancia de la forma pura de agua, "la O" le rinde tributo la belleza del teatro - de la actuación callejera más simple para lo más abundante de óperas - donde cualquier cosa es posible y dónde el drama de obras teatrales de vida misma fuera de delante de nuestros meros ojos. Los acróbatas de talla mundial, los nadadores sincronizados, los clavadistas y los personajes actúan adentro, adelante, y sobre la superficie del agua para crear una experiencia impresionante. Sólo en Bellagio, Las Vegas.

Vídeo: "Hamlet"( 2009 ) - Teatro Español Dirigida por Tomaz Pandur.

2010-10-03T20:26:00.000+01:00

Blanca Portillo se atreverá en Hamlet con uno de los papeles más difíciles acompañada de un cuidado reparto integrado -entre otros- por Asier Etxeandía y Hugo Silva que recrearán sus personajes en Matadero vestidos por diseños originales de David Delfín. Tomaz Pandur se enfrenta a Hamlet, uno de los más importantes personajes teatrales que Shakespeare puso en pie. Hamlet en Matadero Madrid con Hugo Silva y dirigida por Tomaz Pandur.

"Después de todo, hay más cosas en el cielo y en la tierra de las que sueña tu filosofía", dice Hamlet reinventando su Theatrum Mundi del tercer milenio. Un teatro de momentos mágicos e irrevocables, momentos que ya son el futuro, una intemporalidad cósmica donde tiempo y espacio convergen. Recuerdos cuánticos que equilibran su descarrilado mundo.

Toda la obra está en sus manos y la llevará a cabo como actor y director al mismo tiempo, cruzando fronteras, rompiendo las normas, reconociendo la búsqueda de lo que se ha fragmentado en los huecos del tiempo, atrapado entre la palabra y el silencio. Y aquí, entre la noche y el amanecer, él encontrará un punto secreto: el corazón, activo y templado, del color púrpura de la granada, oculto en un puño cerrado.

Hoy, Hamlet crea una realidad que es teatro, con el fin de que su mirada respire, simplemente para ver de nuevo lágrimas en la lluvia. El resto, como ya sabemos, es silencio.

Vídeo: "Alegría" Cirque du Soleil (Trailer ) ... !!!

2010-09-18T13:38:00.001+01:00

Vídeo: "Alegría" Cirque du Soleil ( Obertura-Canción )... !!!

2010-09-16T08:36:00.003+01:00

Alegría es un espectáculo del Cirque du Soleil.
Alegría es uno de los espectáculos más renombrados del circo. El tema principal de Alegría es el mal uso que se le da al poder, ya sea por los reyes, tiranos o mismos dictadores, pero también trata sobre la la esperanza y la perserverancia. A través de una película de tragedias de nuestro pasado y de las grandes posibilidades de nuestro futuro, el show intenta inspirarnos a ser mejores personas y trabajar juntos por nuestros semejantes.

La banda sonora de Alegría fue compuesta por René Dupéré. El show de cantantes que actualmente están realizando Malika Alaoui y Nancy Arnaud.

La música de Alegría también se ha ofrecido (remezclada) en la gira Delirium y en Soleil de Minuit ( "Midnight Sun") - el 11 de julio de 2004, donde el Cirque du Soleil montó Midnight Sun solo para esta ocasión, el XXV Aniversario del Festival de Jazz de Montréal.

"Aproximación Histórica al Teatro": Los Ritos y las Ceremonias Protodramáticas de la Prehistoria.

2010-06-27T07:07:00.001+01:00

La mayoría de los estudios consideran que los orígenes del teatro deben buscarse en la evolución de los rituales mágicos relacionados con la caza, al igual que las pinturas rupestres, o la recolección agrícola que, tras la introducción de la música y la danza, se embocaron en auténticas ceremonias dramáticas donde se rendía culto a los dioses y se expresaban los principios espirituales de la comunidad. Este carácter de manifestación sagrada resulta un factor común a la aparición del teatro en todas las civilizaciones.

"Teatro de África": El Teatro Primitivo de los Dioses y la Naturaleza.

2010-06-27T06:58:00.000+01:00

El teatro africano, entre tradición e historia, se está encauzando actualmente por nuevas vías. Todo predispone en África al teatro. El sentido del ritmo y de la mímica, la afición por la palabra y la verborrea son cualidades que todos los africanos comparten en mayor o menor medida y que hacen de ellos actores natos. La vida cotidiana de los africanos transcurre al ritmo de variadas ceremonias, rituales o religiosas, concebidas y vividas generalmente como verdaderos espectáculos. No obstante, aunque África ha conocido desde siempre este tipo de ceremonias, cabe preguntarse si se trataba realmente de teatro; a los ojos de muchos, estos espectáculos están demasiado cargados de significado religioso para que puedan considerarse como tal. Otros estiman que los tipos de teatro africanos guardan cierto parecido, como en otros tiempos la tragedia griega, como un preteatro que nunca llegara totalmente a ser teatro si no se desacraliza. La fuerza y las posibilidades de supervivencia del teatro negro residirán, por lo tanto, en su capacidad para conservar su especificidad. en el África independiente está tomando forma un nuevo teatro.

"Teatro del Antiguo Egipto": El Drama Funerario de Osiris.

2010-06-27T06:52:00.000+01:00

En Antiguo Egipto, a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se representaban ya dramas acerca de la muerte y resurrección de Osiris. Se comienza el teatro por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas.

"El Teatro Griego": El Drama de los Dioses y de los Hombres.

2010-06-27T06:45:00.001+01:00

Las raíces en ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos (Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un actor y un coro. A fines del Siglo VI a.C alcanzó extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete Tespis, en cuyo honor la frase el carro de Tespis alude, aún hoy, al conjunto del mundo del teatro.

El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. Luego un joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el Corifeo o maestro del coro, quien dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y el rapsoda, que eran recitadores.

En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos Esquilo y Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, lo que dio a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de mayores escenarios. Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los que cabe citar el aún conservado de Epidauro en el siglo V a. C., capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV A.C. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una colina, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de de la representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada skené, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared columnada, el proscenio, que podía sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico.

Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el Corifeo o maestro del coro) que cantaba [el coro] y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras.

"Teatro Romano": La Skene Romana o Frons Scaenae.

2010-06-27T06:37:00.001+01:00

Los teatros romanos heredaron los rasgos fundamentales de los griegos, si bien introdujeron ciertos elementos distintivos. Construidos inicialmente en madera, sólo en el año 52 a. C. Pompeyo, erigió en Roma el primero en piedra. A diferencia de sus modelos helénicos, se levantaban sobre el suelo plano y poseían varias plantas erigidas en mampostería. Con objeto de mejorar la acústica, los arquitectos romanos redujeron la orquestra a un semicírculo, y los espectáculos se presentaban sobre una plataforma, el pulpitum, levantada delante de la antigua skene que constituye el origen de los modernos escenarios. La frons scaenae era una fachada monumental de varios pisos, que servía de fondo de escenario. El graderío (cávea) se divide en 3 partes: Ima, media y suma , ubicándose la primera en la zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase dirigente; quedando asentados en la superior las mujeres y los esclavos y en la media el pueblo llano. El conjunto podía cubrirse con un velum. Roma optó también por la comedia, ya que éstos tomaron el teatro como una manera de divertirse o entretenerse.

"Civilizaciones Americanas": El Teatro Prehispánico Primitivo.

2010-06-27T06:27:00.001+01:00

En las culturas americanas prehispánicas el teatro llegó a adquirir un notable desarrollo, particularmente entre los mayas, una de las obras más representativas del teatro maya es el drama quiche Rabinal Achí el teatro maya se hallaba parcialmente vinculado a los ciclos agrícolas y a la épica de sus eventos históricos, y entre los aztecas e Incas, sociedades que en correspondencia con su estructura teocrática dieron a sus actividades teatrales un matiz eminentemente guerrero y religioso.

"Civilizaiones Orientales": Teatro de China, India y Japón.

2010-06-27T06:21:00.001+01:00

Las manifestaciones dramáticas en Asia se remontan a épocas antiquísimas. En China se practicaban ya, bajo la forma de poemas escenificados, a fines del segundo milenio antes de la era cristiana. En la India su aparición fue posterior, mas el hecho de que en el Mahabhárata, poema épico que adquirió su forma definitiva hacia el siglo IV a. C., se mencione específicamente este arte revela la existencia de remotas formas teatrales relacionadas con las creencias védicas. El carácter marcadamente ritual y simbólico del teatro oriental que determinó un protagonismo de la música y la danza muy superior a la occidental, marcó asimismo en Japón, el desarrollo del teatro 能, en español llamado Nō surgido en el siglo XV, del que dos centurias más tarde brotó el 歌舞伎 o kabuki, el más popular, y basado sobre todo en la capacidad de los intérpretes, y en la apelación a los sentidos antes que al intelecto.

"Edad Media Europea": El Teatro de Misterios y Moralidades del Siglo XI.

2010-06-27T06:14:00.001+01:00

Tras siglos de olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el clero, que lo empleó con fines didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual la representación en las iglesias de misterios y moralidades, cuyo objeto era presentar de forma sencilla la doctrina cristiana a los fieles. A fin de facilitar la comprensión, el latín cedió paso paulatinamente a las lenguas vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las piezas religiosas como las florecientes farsas profanas comenzaron a representarse.

"Teatro del Renacimiento": La Cultura Dramática Italiana.

2010-06-27T05:59:00.000+01:00

La eclosión del Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del teatro, pues, al surgir una producción dramática de carácter culto, inspirada en los modelos clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se generalizó en el transcurso del siglo XVI la construcción de salas cubiertas y dotadas de mayores comodidades.

"Teatro en Italia": Teatro Olímpico de Vicenza siglo XVI y XVII.

2010-06-27T05:44:00.003+01:00

Como primero de los teatros modernos suele citarse el Olímpico de Vicenza, diseñado por Andrea Palladio y finalizado en 1585, que constituía una versión de los modelos romanos y presentaba, al fondo del escenario, una perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo clásico del teatro italiano, vigente en muchos aspectos, fue no obstante el teatro Farnese de Parma, erigido en 1618, cuya estructura incluía el escenario, enmarcado por un arco proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de herradura rodeada por varios pisos de galerías. Durante este tiempo se desarrolló también en Italia una forma de teatro popular, la "Commedia dell'Arte", que con su énfasis en la libertad de improvisación del actor dio un gran avance a la técnica interpretativa.

"España": Los Corrales de Comedias de los siglos XVI y XVII.

2010-06-27T05:38:00.000+01:00

En España, y en la misma época que el teatro Isabelino en Inglaterra (siglos XVI y XVII) se crean instalaciones fijas para el teatro al aire libre denominadas Corrales de Comedias, con las que guardan similitudes constructivas. A diferencia del caso inglés, en España si han pervivido algunos ejemplos de estas edificaciones. Exponentes de esta época son los autores Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca, claros exponentes del importante Siglo de Oro español.

"Inglaterra El Teatro Isabelino": William Shakespeare.

2010-06-27T05:31:00.002+01:00

Muy diferentes fueron los teatros erigidos en Inglaterra durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, época de excepcional esplendor del género dramático, entre los que se destacó el londinense The Globe donde presentaba sus obras William Shakespeare. Carentes de techo y construidos de madera, su rasgo más característico era el escenario elevado rectangular, en torno al cual el público rodeaba a los actores por tres lados, mientras las galerías se reservaban para la nobleza.
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"Teatro Barroco y Neoclasicismo": El Drama Barroco y Neoclásico de los siglos XVII y XVIII.

2010-06-27T05:25:00.000+01:00

El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte del drama clásico francés de la regla de las tres unidades —acción, tiempo y lugar— hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la creciente popularidad de laópera, que requería varios montajes, favoreció el desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia de veracidad a efectos tales como: la desaparición de actores y la simulación de vuelos —las llamadas "glorias", por ejemplo hacían posible el descenso de las alturas del escenario de una nube que portaba a los cantantes. El teatro de la Scala de Milán, finalizado en 1778, constituye un ejemplo de las grandes dimensiones que eran precisas para albergar tanto al público como a la tramoya y al aparata escénico.

"Teatro Moderno": Arquitectura del Espacio Escénico.

2010-06-27T05:07:00.002+01:00

Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en esencia inalterables, si bien las exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la centuria a un replanteamiento general del arte dramático en sus diversos aspectos.

Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth, Alemania, erigido en 1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a los modelos italianos. Su diseño en abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio durante su representación y la ubicación de la orquesta en un pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención de los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación entre escenario y público.

Esta exigencia de integración entre el marco arquitectónico, la escenografía y la representación fue acentuada en los últimos decenios del siglo XIX y primeros del XX por la creciente importancia concedida a la figura del director gracias a personalidades como el alemán Max Reinhardt, autor de espectaculares montajes, el francés André Antoine, adalid del naturalismo, el ruso Konstantín Stanislavski, director y actor cuyo método de interpretación ejercería gran influencia sobre el teatro moderno, o el escenógrafo británico Edward Gordon Craig, que en su defensa de un teatro poético y estilizado abogó por la creación de escenarios más sencillos y dúctiles.

La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el campo del diseño arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables, etc.) y liberaron al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica del arco del proscenio.

Adiós a 20 años de Nacho Duato El director de la CND se despide con "Arenal"... !!!'

2010-06-26T19:39:00.000+01:00

Arenal es una pieza importante. No solamente por su belleza formal, su alegría mediterránea, sus colores terracota o su acoplamiento a esos cantos de faena interpretados, todavía hoy, con desgarro telúrico por María del Mar Bonet. Tampoco lo es únicamente por su indiscutible buen gusto e ingenio coreográfico, con sus pas de deux,tríos y cuartetos de velocidades imposibles, ni por su capacidad para despertar simultáneamente en escenario y platea el goce de bailar y ver bailar. Esas cualidades las tuvo siempre, desde el mismo día de su estreno en La Haya para el Nederlands Dans Theater 2 , en 1988. Pero el tiempo la ha redimensionado. La ha hecho crecer hasta convertirla -junto a Jardí Tancat, la primera de todas-, en referencia, referente y verificación de un genuino lenguaje de danza que nació sofisticado.

Arenal es la quintaesencia del vasto vocabulario coreográfico de Nacho Duato (Valencia, 1957) y con ella, se ha despedido de Madrid como director artístico de la Compañía Nacional de Danza (CND), donde ha cerrado un ciclo de 20 años exactos. La representación de anoche aunó la fiesta de cumpleaños y el ritual de despedida en el escenario de un teatro que le es entrañable, el de la Zarzuela de Madrid, donde se produjeron sus grandes estrenos y donde se ganó a fuerza de sensibilidad y perseverancia a una amplia audiencia que se convirtió en incondicional. Y para esa ocasión especial ha mirado el coreógrafo hacia atrás como regresando a sus propios orígenes, incluso antes de su huracanada llegada a España en 1990, cuando fue llamado para dar un giro de timón al entonces Ballet Lírico Nacional, que dirigía la diva rusa Maya Plisetskaya.

A pesar de que anoche todo transcurría en un ambiente cálido y emotivo, tormentosa ha sido también su salida forzosamente voluntaria, aunque ciertamente más educada y menos sonora que su intempestiva y rotunda llegada. Vaivenes políticos, buenas dosis de arrogancia, declaraciones sensatas y declaraciones malcriadas no siempre prudentes, rumores que fueron y vinieron por los despachos de nada menos que nueve ministros de Cultura, que le hizo parecer imbatible, y una proyección a veces excesiva y por momentos equivocada de su imagen pública, convirtieron a Nacho Duato en señalado enfant terrible.

Con demasiada frecuencia estos aspectos periféricos han tenido más eco mediático que los logros artísticos: como la conversión de la CND en embajador cultural español en todo el mundo; su asentamiento como uno de los grandes coreógrafos neoclásicos del siglo XX; su voluntad de montar en España un repertorio de grandes coreógrafos internacionales; crear una plataforma como la CND2, importante caldo de cultivo para jóvenes bailarines en transición hacia la vida profesional o estimular la creación entre los miembros de su siempre disciplinada compañía.

De hecho, anoche, junto a sus dos piezas de la nostalgia (la otra fue la emotiva Remansos,miniatura coreográfica que talla en seis cuerpos toda la sensibilidad del inspirado piano de Granados), tuvo lugar el estreno mundial de Aksak, obra de ecos balcánicos de Gentian Dodda, prometedor coreógrafo que se inició en el CND.

Pero lo más relevante quizá de estos 20 años es que, entre aquel ya lejano estreno deArenal, que fue su carta de presentación de la compañía en 1990, y esta emotiva función de despedida de anoche, es el modo en que el lenguaje artístico de Nacho Duato ha ido avanzando sistemáticamente con pie seguro hacia la madurez y la plenitud.

Hay obras grandes y obras menores, algunas descentradas y otras oscuras, difíciles, menos logradas. Puede que algunos de los trabajos más densos, personales y arriesgados de su último periodo (Hevel, Cobalto, Kol Nidre o la misma El jardín infinito, su última gran producción para la CND con la que hará mutis internacional en Rusia este verano) parezcan ajenos. Y que no complazcan a sus audiencias de siempre, las que admiraron y ovacionaron trabajos más lúdicos como Coming together, Rassemblement o ese Romeo y Julieta, auténtica y aplaudida rareza narrativa en su repertorio, ni a las que se emocionaron hasta las lágrimas con piezas más sociales, espirituales o espectaculares como la fundamental Multiplicidad. Formas de silencio y vacío, Por vos muero, Herrumbre, O Domina Nostra o White Drakness. Pero, en cualquier caso, las 48 obras que ha montado para la CND, las de menor y las de mayor acierto, se imbrican con lógica en un entramado coherente, y vistas en conjunto son consecuentes, aunque no siempre complacientes.

No existiría la mesura, calculada tranquilidad y auténtica profundidad de El jardín infinito de no haber pasado antes por la experiencia festiva y deslumbrante de Jardí Tancat. Hay que celebrar, pues, que haya habido riesgo, que todo no haya sido fácil acomodaticio ni predecible. Aunque tras la velada de ayer nos quedó la sensación de que, hace 20 años, Duato nos trajo Arenal y anoche se la llevó.

El Festival Internacional de Teatro y Artes Escénicas de Sevilla feSt 2010... !!!

2010-06-26T12:55:00.002+01:00

El Festival internacional de teatro y artes escénicas de Sevilla feSt, se prepara para su quinta edición. Volverá del 10 al 18 de abril para hacer de Sevilla un inmenso teatro una vez más. Nuevos espacios de exhibición, nuevas propuestas y muchas sorpresas en una oferta abierta a todos los públicos y para todos los gustos.

Un feSt sintético.

2010 acoge la quinta edición de feSt, una edición más corta en el tiempo, 9 días; de menos inversión, un 30% menos, es un año de crisis y de apoyos más limitados, y ello que nos obliga a ser más comprimidos, más sintéticos.

feSt ya es una síntesis, una síntesis de géneros -25% teatro, 11,4 % danza, 4,5% danza-teatro, 4,5% clown, 11,4% teatro musical, 4,5% circo y 36,4% calle-, una síntesis de espacios -todas las salas y teatros de gestión privada de la ciudad-, una síntesis de sensibilidades, una síntesis de públicos, una síntesis de patrocinadores y colaboradores…

Pero esta edición está obligada a ser la síntesis de la síntesis, de ahí su carácter sintético. Obligados a condensar con criterio sobrio, sucinto, pero potente, esta edición sintética que no puede tirar la casa por la ventana, sí quiere abrir sus puertas y saca a la calle más del 36% de sus propuestas.

Un feSt sintético con expansiones: la celebración del día internacional del teatro, 27 de marzo, a cargo de las escuelas de teatro, y una programación específica promovida por los nueve espacios de la Asociación la semana previa del festival. Vamos a convertir a Sevilla en un espacio para la fiesta, un espacio para el teatro. Un feSt sintético con vocación de replegarse para en la temporada siguiente dar el gran salto.

feSt es una iniciativa de la asociación Escenarios de Sevilla, que reúne a las salas privadas de la ciudad (La Fundición, La Imperdible, Sala Cero Teatro, Endanza·espacio vivo, Pistadigital, Sala El Cachorro, Teatro Salvador Távora, Centro de Investigación TNT, Sala Fli), junto a algunas de las empresas más representativas del tejido teatral sevillano (Viento Sur y Noletia-LaTeatral).

ATALAYA, Premio Nacional, Trás Cumplir 25 Años... !!!

2010-06-24T22:14:00.000+01:00

El 23 de junio de 2009 Atalaya recibió el Premio Nacional de Teatro, el galardón más importante que se entrega en el ámbito teatral, en una ceremonia junto a los otros 20 premios nacionales, con figuras tan destacadas como Juan Goytisolo y Juan José Millás en Letras y Literatura o Carles Santos en Música. El jurado convocado por el Ministerio de Cultura consideró como valor "la creación de un espacio original de exhibición, producción, formación y reflexión teatral, resultado de una larga trayectoria profesional". Se trata de la primera vez que este premio viaja a Andalucía. En todas las ediciones anteriores -desde su creación en 1946- había recaído siempre en residentes en Madrid o Barcelona. En 2008 Atalaya abrió el Centro Internacional de Investigación TNT y cumplió 25 años de trayectoria, con cuyo motivo se presentó el libro“Atalaya, XXV años buscando utopías” editado por el Centro de documentación de las Artes Escénicas de la Junta de Andalucía.

En abril de 2010 Atalaya lleva a cabo el estreno de Ricardo III que se convierte en la primera obra de Shakespeare que aborda. Su lema al recibir el Premio Nacional ha sido Otro teatro es posible. La revista ARTEZ le dedicó -por vez primera a una compañía de teatro- un suplemento especial.

Próximamente viajará a Estados Unidos y Venezuela, alcanzando la cifra de 31 países recorridos repartidos por todos los continentes. Más de 400 ciudades españolas, incluyendo las 52 capitales, han acogido alguno de sus espectáculos. Estos números no tienen precedente en compañías españolas de teatro.

"Ariadna", Estreno en Madrid, Éxito en Delfos y Premio en Galicia... !!!

2010-06-24T22:00:00.001+01:00

Ariadna, el montaje que cierra la Trilogía de las Heroínas de la Tragedia, tras Elektra y Medea, se ha estrenado en Madrid con éxito decrítica y público, que le ha dedicado 5 minutos de aplausos en cada función. En julio se presentó en el Festival de Delfos, el mejor escenario posible para una tragedia griega, donde ha tenido una excelente acogida por parte dle público y la crítica. Grecia se convierte así en el 29º país que visita Atalaya. Días después ha obtenido el Premio al Mejor Espectáculo de la XXV Mostra Internacional de Ribadavia, otorgado por el público. La escenografía -de Juan Ruesga- obtuvo en 2008 el Premio Gaudí -que otorga la Asociación de Directores de Escena-. Ariadna es una coproducción del Centro Andaluz de Teatro con Atalaya -con la dirección de Ricardo Iniesta-. El estreno internacional del espectáculo tuvo lugar en el Festival Art Carnuntum de Viena (Austria) en julio del pasado año, donde el público lo aclamó durante más de 6 minutos. A través de Internet se pueden ver imágenes del mismo.

"Divinas Palabras", de Valle Inclán es ya el Montaje más Representado de ATALAYA... !!!

2010-06-24T21:13:00.000+01:00

Atalaya mantiene en gira "Divinas palabras" la obra más universal del genial dramaturgo gallego. Este se ha convertido uno de los montajes más celebrados de Atalaya con el que ya ha recorrido 150 ciudades de Europa y América. En 1999 obtuvo el Premio Nacional Ercilla y el número uno del "ranking" de la crítica de Barcelona. En 2010 se presenta en el XXV Festival de Teatro Hispano de Miami (USA) así como en el XXXIV Festival de Oriente, de Venezuela, que se convertirá en el país 31º que visita Atalaya.

TNT, 15 Años (1995-2010):.Otro teatro es posible... !!!

2010-06-24T20:35:00.001+01:00

TNT cumple 15 años de trayectoria en 2010. Desde el principio inició sus actividades como Centro de Investigación Teatral poniendo en marcha el Laboratorio Internacional, en el que han impartido talleres cerca de noventa maestros y pedagogos de todas las tradiciones teatrales del mundo. Los actores que han participado en el Laboratorio han formado luego parte de compañías y centros dramáticos de toda España, y medio centenar de ellos han integrado los elencos de los 7 primerosespectáculos producidos por TNT. La mejor manera de celebrar esta efemérides ha sido la creación del espectáculo que más expectación ha despertado de cuantos se han producido esta temporada en España, y cuyo éxito de crítica y público han superado las mejores previsiones: La casa de Bernarda Alba a cargo de mujeres del Vacie de etnia gitana. Este espectáculo ha convertido en realidad nuestro lema, que hicimos público cuando se nos concedió el Premio Nacional de Teatro: "otro teatro es posible". El Festival Internacional TAC de Valladolid le ha realizado un homenaje,, junto a Marta Carrasco en su edición de 2010.

El 17 de octubre de 2008 se inauguró el Centro Internacional de Investigación Teatral TNT. Casi 30.000 espectadores han desfilado ya en las dos primeras temporadas para presenciar cerca de 200 representaciones de teatro, danza, circo, flamenco, música y títeres que se han llevado a cabo en los tres espacios programados. El centro cuenta con un Teatro capaz de albergar a 300 espectadores -el tercer aforo de los dedicados al teatro en Sevilla y el mayor de los teatros privados de Andalucía-, un espacio al aire libre con mayor capacidad aún, una Sala con un aforo de 110 personas, aulas, hall para exposiciones, ambigú con velador, biblioteca, oficinas, talleres, almacenes y camerinos. El Centro se ha edificado sobre un solar municipal cedido por 30 años.

El ayuntamiento sevillano y el INAEM del Ministerio de Cultura costean cada uno algo más de la quinta parte del presupuesto -cercano a los dos millones de euros-, la Consejería de Innovación de la Junta costea cien mil euros y el resto lo asume Atalaya. TNT se abrió con una calurosísima acogida, programando el I MITIN que se celebrará cada año en Otoño.

Este año ha querido sumarse a la celebración el ayuntamiento de Ubeda, ciudad natal del director de TNT y Atalaya, denominando a la Escuela Municipal de Teatro con el nombre de Ricardo Iniesta.

La Casa de Bernarda Alba "Versión Vacie 2010", triunfa en el Teatro Español de Madrid... !!!

2010-06-24T16:47:00.001+01:00

Tras abarrotar todas las funciones en Sevilla, Castellón y Elche, llegó al escenario más prestigioso de España, el Teatro Español de Madrid, el acontecimiento revelación de la temporada en España: "La casa de Bernarda Alba"en "versión Vacie". También en Madrid acabó agotando las localidades. La crítica lo esta señalando como un hito en la historia del teatro,inolvidable, insólito, espectácular y único". En total lo han presenciado ya más de 20.000 espectadores en las 40 representaciones realizadas en siete comunidades autónomas.

La función del sábado 6 de marzo en el Teatro Español fue organizada por el Parlamento Europeo, con la presencia de varias ministras, además denumerosos embajadores y eurodiputados. Fue uno de los actos que la presidencia española de la Unión Europea realiza en 2010, declarado por el Parlamento Europeo "Año de lucha contra la exclusión social y la pobreza".

El 10 de febrero CanalSur les entregó el XI Premio El Público valorando "lafuerza emotiva y escénica" del espectáculo. Canal Sur eligió en noviembre como "minuto de oro" las palabras de Rocío Montero en el papel de Bernarda Alba.

El 8 de marzo Pepa Gamboa, la directora, fue galardonada con el Premio Clara Campoamor por su labor al frente del montaje.

El 8 de abril, Día Mundial Gitano el Instituto de Cultura Gitana-de ámbito estatal- le hizo entrega del Premio a la Concordia.

Se trata de una experiencia única no sólo para las intérpretes de La casa de Bernarda Alba sino para muchos de las personas que han presenciado la obra, desde su estreno en TNT. Es el caso de Laura García Lorca -cuyo semblante dejaba traslucir la honda emoción que había sentido al presenciarla o de Nuria Espert que comentó a Rocío Montero: "Yo hago de Bernarda Alba, pero TU ERES Bernarda"

Los medios de comunicación de todo el país se han hecho eco de este acontecimiento. Lo especial de este montaje es que está interpretado por mujeres de etnia gitana, sin alfabetizar , que viven en el asentamiento chabolista más antiguo de Europa -El Vacie-, situado a escasa distancia de TNT. Se pueden ver reportajes de Andalucía Directo, Correo de Andalucía y TV1. Pepa Gamboa -con la asistencia de Jeroni Obrador y Silvia Garzón- dirige a las ocho mujeres cuyo único contacto con el teatro había sido la participación en el taller impartido por Silvia en 2008 en TNT. Junto a ellas actúa Marga Reyes, una de las actrices emblemáticas de Atalaya, que encarna a la Poncia.

La noticia ha generado una enorme expectación, con extensas entrevistas en radios y televisiones de todo el país a cargo de Carles Francino, Genma Nierga y Angels Barceló -SER-, Iñaki Gabilondo y Concha García Campoy -la Cuatro- o Jesús Quintero y Juan Imedio -CanalSur-, entre otros, reportajes en televisiones extranjeras, además de páginas completas en los principales diarios de ámbito estatal, incluso en prestigiosos diarios europeos como el Financial Times. Especialmente emotivo resultó el reportaje de Zona0 para Antena3.

La crítica en todo el país está siendo unánime en susalabanzas, destacando que se trata de un espectáculo único en todo el país, y el público ha respondido en cada función con varios minutos de aplausos, puesto en pie. El proyecto se ha llevado a cabo gracias a la dirección general de Bienestar Social de la Junta de Andalucía y al Ayuntamiento de Sevilla. En 2010 -Año europeo de lucha contra la pobreza y la exclusión social-, está realizando una extensa gira por todo el país: Teatre Lliure de Barcelona, Bilbao, Valladolid, Pamplona, Logroño, Badajoz, Alicante, Toledo, Salamanca, Galicia, Andalucía, Cantabria...

Su repercusión ha traspasado también el propio ámbito artístico: la recién creada plataforma "esto solo lo arreglamos entre todos" presenta en su página de inicio un reportaje con Rocío Montero, quien encarna a Bernarda y la presenta como un ejemplo de superación y de manera de enfrentarse a los problemas para "arreglar la crisis entre todos". El Alcalde de Sevilla, Alfredo Sánchez Monteseirín, intercambió con Rocío el bastón de mando de alcalde con el de la Bernarda en el marco de la Feria del Libro de Sevilla, que inauguraron 8 gitanas que no saben leer...

Taller de Butoh con Natsu Nakajima. Su maestro, Kazuo Ohno muere los 104 años... !!!

2010-06-24T16:13:00.001+01:00

El 2 de junio ha fallecido Kazuo Ohno (Japón, 1906), creador del Butoh, "el último emperador de la danza", uno de los grandes transformadores de las artes escénicas en el siglo XX.

Su más reconocida heredera y una de las maestras que más huella haya dejado en TNT, Natsu Nakajima,vuelve 12 años después a Sevilla, donde impartirá un taller monográfico sobre danza Butoh. Una oportunidad única para conocer o profundizar tan insólito lenguaje escénico de la mano de quien, posiblemente, es su más prestigiosa figura en la actualidad.

El Butoh nació en Japón en el año 1958 de la mano de Hijikata y de Kazuo Ohno, bajo el influjo del terror generado por las bombas atómicas de Hiroshima y Nagashaki. Hijikata decía: "El Butoh es como un cadáver en pie que busca desesperadamente morder la vida".

Natsu, que ha trabajado más de 40 años como intérprete y maestra de "Ankoku Butoh", resume su trabajo en muy pocas palabras: "volver al cuerpo original". Esta técnica se “diferencia de las danzas occidentales en que parte de la desaparición de la humanidad para, después, hacer que el bailarín pueda transformarse en objetos, animales o personas", explica la propia coreógrafa. Natsu ha formado parte también del "staff" de la ISTA que dirige Eugenio Barba.

DURACIÓN DEL TALLER: 5 días. Del lunes 6 de septiembre al viernes 10 de septiembre de 2010

NÚMERO DE PLAZAS: Limitadas. 30 alumnos

HORARIO: 5 horas diarias. De 18.00h a 22.00h

LUGAR: CENTRO TNT. Avda Parque de Despeñaperros 1, Sevilla. Buses 12, 13 y B5

PRECIO: 130€, con descuentos para antiguos alumnos de TNT y estudiantes de escuelas de arte dramático de toda España

INSCRIPCIONES: enviando un correo con los datos personales de contacto aprogramacion@atalaya-tnt.com antes del 2 de septiembre de 2010.

Más información en tel. 954950376

Ricardo III: El Montaje Más Completo de ATALAYA... !!!

2010-06-24T15:42:00.001+01:00

Atalaya ha estrenado ya Ricardo IIIde Shakespeare, uno de los textos más actuales e inquietantes del autor inglés, a cuyo universo se acerca por vez primera el grupo sevillano. El comentario de quienes lo han presenciado es que, sin duda, se trata del montaje más potente y completo en los 27 años de su trayectoria. La crítica está siendounánime en sus elogios. Bajo los encabezamientos de "La madurez de una compañia", "Espectacular y desafiante" y "Ricardo el malo, Ricardo el bueno", Rosalía Gómez, Dolores Guerrero y Julio Martínez Velasco, respectivamente, escriben:

"Creativo e impecable trabajo de dirección. La labor de los actores es sencillamente inmensa", "Con una absoluta fluidez de ritmo, nos regala un sinfín de imágenes inquietantes y sugerentes. Una interpretación de Carmen Gallardo colmada de genialidad, al igual que Jerónimo Arenal que otorga a su Ricardo toda la riqueza psicológica que Shakespeare volcón en este personaje", "El texto suena a gloria en boca de un elenco de altísimo nivel, empezando por el protagonista, encarnado magistralmente por Jerónimo Arenal. Espectáculo redondo, rotundo y sin un solo fallo". Por su parte el público está ratificando esta gran acogida con un aplauso de varios minutos puesto en pie. En Málaga no podía ser menos y Oscar Romero escribe: "Un prodigio de fuerza dramática y de exquisita belleza plástica. Las interpretaciones están a gran nivel con unos personajes muy bien dibujados y de gran poder dramatúrgico". Por su parte Pablo Bujalance señala que: "No sólo es el espectáculo más rotundo y el más redondo de Atalaya, sino también un feliz hito para el teatro español reciente. Teatro sabio". También la crítica de ámbito nacional le otorga los mejores calificativos.

El preestreno se llevó a cabo en las XXVII Jornadas del Siglo de Oro de Almería donde ha tenido una gran respuesta, "sobrecogiendo a todos los asistentes".

"Ricardo III" es el primer espectáculo creado tras recibirel pasado año el Premio Nacional de Teatro, lo cual comporta un mayor grado deresponsabilidad. Supone además un colofón a sus primeros veinticincoaños de existencia y a la vez la primera apuesta de una nueva etapa que seabrió a fines de 2008 con la inauguración del Centro Internacional de InvestigaciónTeatral, que permite al grupo unas condiciones óptimas de trabajo...

En “Ricardo III” confluyen los cuatro estilos que –dentro de un mismo lenguaje- ha ido alternando en los 18 espectáculos anteriores: el oníricodel Lorca surrealista, el grotesco de Valle-Inclán y Maikovski, la fuerza telúrica de la Tragedia Griega y el compromiso vanguardista y político de Heiner Müller. Se podría decir que si en los clásicos griegos han aportado la sangre a nuestro lenguaje, Valle y Lorca los pulmones y Heiner Müller el sistema nervioso, en Shakespeare ha encontrado Atalaya el corazón que da vida y sentido a toda su existencia anterior y futura.

Los veinte personajes son encarnados por nueve actores de tres generaciones de Atalaya, desde Carmen Gallardo -cofundadora del grupo a primeros de los ochenta, que ha regresado al equipo estable tres lustros después-, pasando por el núcleo de actores del equipo estable que se incorporaron en los años noventa y que han tomado parte en los últimos nueve espectáculos -uno de cuyos puntales, Jerónimo Arenal, da vida al "rey matapríncipes"- y los más jóvenes que se han ido incorporando en la década actual.

El espectáculo ya ha sido presenciado por más de 5.000 espectadores. Buena parte de ellos han aplaudido en pie durante minutos el "impresionante" trabajo de los 9 actores y todo el equipo técnico.

Abierto el Plazo para el "XV Laboratorio Internacional del Actor 2010"... !!!

2010-06-24T09:14:00.000+01:00

A lo largo de las 14 ediciones del Laboratorio Internacional del Actor han llegado a TNT más de 80 maestros de todas las tradiciones teatrales, procedentes de una veintena de países. Destacan los maestros de la Opera de Pekin, del Teatro Balinés(Indonesia), Teatro Noh (Japón), Butoh (Japón), Teatro Kathakali (India), Danzas Orisi y Barathanatiam (India), Candomblé (Brasil), Biomecánica (Rusia),Canto Zulú (Sudáfrica), Comedia del Arte (Italia) y el Odin Teatret(Dinamarca).

La participación en dicho Laboratorio supone una oportunidad única de trabajar con maestros internacionales de gran prestigio, además de ser fuente y cantera de actores y actrices para los montajes de Atalaya.

Aunque aún tenemos algunos puntos por perfilar, ya disponemos de la siguiente información (sujeta a cambios):

DURACIÓN DEL LABORATORIO: Desde el 17 de noviembre de 2010 al 5de abril de 2011.

HORARIO: De tarde (por confirmar horas). 5 horas diarias

PRUEBAS: Para entrar a formar parte del Laboratorio, es necesario que los interesados superen las Pruebas al Laboratorio que se realizarán en dos fases a partir del 4 de octubre de 2010.

PLAZAS: 12, de las cuales 2 serán becadas

PRECIO TOTAL: 380€

PROFESORES:

- Equipo estable de Atalaya: Actores: Manme Gallardo, Jerónimo Arenal, Silvia Garzón, Aurora Casado, Marga Reyes, Joaquin Galán, Sario Téllez, y el director, Ricardo Iniesta.

- Augusto Omolú (Teatro Candomblé, Brasil)

- Claudia Contin (Commedia dell’Arte, Italia)

- Vicente León (Premio Max. Teatro de la Esquirla)

- Otros maestros por confirmar

FECHA LÍMITE PARA INSCRIPCIÓN: 28 de Septiembre de 2010

REQUISITOS: Los interesados deben remitir su curriculumvitae por correo electrónico a programacion@atalaya-tnt.com, indicando en el asunto:Interesado Laboratorio. Para la prueba, los interesados deberán preparar una nana, un texto poético (preferiblemente de Shakespeare o Müller) y vestir ropa cómoda.

Se Abre el Plazo para el "II Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales 2010" (CENIT)... !!!

2010-06-24T09:00:00.001+01:00

Se ha abiertoel plazo para la presentación de los espectáculos que deseen inscribirse en el II CENiT que tendrá lugar del 4 al 7 de noviembre de 2010 dentro del marco delIII MITIN -Muestra Internacional de Teatro de Investigación-.

TNT celebró elpasado Otoño el I Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales (CENiT),único certamen dedicado a la investigación teatral en nuestro país.

Consulta las bases en el apartado CENIT

La primeraedición se llevó a cabo entre el 31 de octubre y el 7 de noviembre conla participación de 7 espectáculos finalistas, seleccionados entre el mediocentenar que optaron al mismo, provenientes de toda España y otros paíseseuropeos. El CENiT se lleva a cabo con la colaboración del CICUS de la Universidad de Sevilla y quiere apostar por el apoyo yla difusión del teatro de investigación. Bajo el lema “Otro teatroes posible” que hizo público TNT al recibir el Premio Nacional deTeatro, se presenta esta iniciativa como una alternativa al predominio delteatro de mero divertimento, de consumo y de "marketing", que recurrea las “caras famosas”. Han sido siete los espectáculos elegidos: Marca'dor por Asta (Portugal), Hilo bajo el agua por Pasadena (Madrid), Paisaje con argonautas por Kabia (País Vasco), VM por Encrudo (Córdoba), Habitáculo por Working 3 (Sevilla) y -como cierre y apertura del CENIT- dos estrenos absolutos: El drama es nuestro porTeatro de la Inclusión (Sevilla) y Concierto para la acumulación por Los Hedonistas(Madrid) que ha sido el espectáculo galardonado por el jurado con el Premio Carlos Iniesta. El montaje tendrá la posibilidad de programarse en TNT y presentarse en varios eventos de teatro contemporáneo entre los que destaca la XXII Muestra Internacional de Teatro Contemporáneo de Santander además de tener la posibilidad de figurar como"espectáculo promovido por TNT".

Para la ediciónde 2010 se admitirán proyectos hasta las 15.00h del 17 de septiembre.

El CDN entra en recesión económica El director Gerardo Vera bromea con un posible cierre de la institución teatral.

2010-06-23T07:57:00.000+01:00

En los próximos tres años, el Centro Dramático Nacional (CDN) reducirá su presupuesto un 36%, de 7,1 millones de euros de 2010 a 4,5 en 2013. El director del CDN, Gerardo Vera, lo anunciaba ayer durante la rueda de prensa en la que daba a conocer los 23 espectáculos de 19 com-pañías que participarán en la programación de sus centros.

"No quiero comentarlo porque no sé si tendremos que cerrar. Queremos seguir soñando mientras la crisis lo permita", contestó bromeando Vera, que insistió en que un centro público como el CDN "no busca la rentabilidad económica, sino la social".

El centro entra en su fase más dramática; Vera recuerda sus siete años al frente de la institución y asegura que ve "cosas que no debería haber hecho, pero también se ha construido un camino entre mucha gente". Llegó el momento de las producciones sin fanfarrias, el momento de ajustarse el cinturón y dejar para otro momento los grandes juegos escénicos.

Para el próximo año el CDN tratará de repetir el 81,10% de ocupación media que aseguran haber tenido, con Rafael Álvarez El Brujo rematando su trilogía (esta vez en un teatro oficial y reconocido), Rodrigo García y Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, o La ruleta rusa, dirigida por Luis Bermejo.

Biografía y Trayectoria de la Compañía Teatral de Lindsay Kemp.

2010-06-10T10:05:00.000+01:00

Lindsay Kemp es un bailarín británico, actor, profesor, mimo y coreógrafo.
Nacido en South Shields el 3 de mayo de 1938, Kemp fue criado en Yorkshire y asistió a Bradford Art College antes de estudiar danza con Hilde Holger y el mimo con Marcel Marceau.
Kemp formó su propia compañía de baile en los años sesenta y el primer llamado la atención por su aparición en el Festival de Edimburgo en 1968. Kate Bush y David Bowie fueron los estudiantes de Kemp y, brevemente, los miembros de su compañía, Bowie como un artista intérprete o ejecutante, a Bush como un vestuario asistente.
Estilo de Kemp de rendimiento, una mezcla de Butoh, Mimo, burlesco, arrastrar y Salón de la Música, tiene en diferentes momentos se ha descrito como fascinante, colorido y autoindulgente,[cita requerida] , pero rara vez deja de atraer buenas críticas y una base de fans leales. Sus representaciones teatrales muchos de ellos incluyen Pierrot en turquesa, turquesa Pantomima, Carmesí pantomima, payasos, Leyendas, Flores, Salomé, Punch Pantomima señor, una noche de Deam verano, Duende, Nijinsky El Loco, Fachada, El gran desfile, Alice, onnagata, Cenicienta, Varieté, Danzas sueño, y, en el Ballet Rambert, Desfiles GONE Por (1975) y Jardín Cruel (1977). Él organizó y realizó en David Bowie Ziggy Stardust conciertos en Londres Rainbow Theatre en agosto de 1972, y, con Jack Birkett (ver abajo), aparece en el video promocional de Bowie sencillo "John, I'm Only Dancing"(dirigida por Mick Rock). la película de papeles Kemp incluyen un papel secundario en el Bush cortometraje Kate La Línea, la Cruz y la curva (1994), una bailarina y artista de cabaret de Derek Jarman"s Sebastiane (1976) y Jubileo (1977), respectivamente, una dama de la pantomima en Todd Haynes ' Velvet Goldmine (1998) y el maravilloso campo de pub propietario aliso MacGregor en Anthony Shaffers ' The Wicker Man (1973).
Durante la década de 1970, Kemp fue un popular e inspirador[cita requerida] profesor de baile / MIME con una regular de dos horas y media sesión en el Centro de Danza en la calle Floral, Covent Garden.
Lindsay Kemp ahora vive cerca de Roma, Italia.

Filmografía:

Los amantes vampiro (1970), como bufón
Savage Messiah (1972), como Corky Angus
The Wicker Man (1973), según MacGregor Aliso
El Stud (1974), como Topstar
Sebastiane (1976), como bailarín
Jubileo (1977), como intérprete Cabaret
Valentino (1977)
A Midsummer Night's Dream de la televisión (1985), como Puck
Cartoline italiane (italiano Postales) (1987)
La línea, la Cruz y la Curva (1993), como 'Guía'
Velvet Goldmine (1998), como Dame Pantomima
Aspectos de la huésped en el programa de televisión española La Mandrágora en 2005 y 2006.

Vídeo: "Flowers" 1990 ( Imágenes ) interpretado y dirigido por lindsay Kemp.

2010-06-10T09:57:00.000+01:00

Fragmento del espectáculo teatral "Flowers" interpretado y dirigido por lindsay Kemp y basado en la obra teatral de Jean Jenet "Nuestra Señora de las Flores". fondo musical "Sturm und Drang" - (Paul Mottram). Imagenes tomadas en Valencia 1980. Sala "Parpallo" y "Teatro Principal". Talleres y espectaculo "Flowers".

Vídeo: "Flowers" ( Final ) interpretado y dirigido por lindsay Kemp.

2010-06-10T09:50:00.000+01:00

Escena final del espectáculo teatral "Flowers" interpretado y dirigido por lindsay Kemp y basado en la obra teatral de Jean Jenet "Nuestra Señora de las Flores".

"Sueño de una Noche de Verano" de William Shakespare dirigido por Lindsay Kemp. Caracterización de "Puck".

2010-06-10T09:41:00.000+01:00

Legendario "gnomo" de William Shakespeare, "Puck", representado con gran acierto por el propio Lindsay Kemp, y a sus compañeros. Puck -"un poco Eros, un poco Sátiro, un poco Mercurio, un poco Demonio", según lo describe Kemp- se convirtió para los espectadores en el hilo conductor de un insólito Sueño de una noche de verano, en el que el acostumbrado barroquismo de la compañía de Lindsay Kemp no perturbó su personal y mágica expresividad.

Vídeo: "Sueño de una Noche de Verano" de B. Britten y dirigido por de Lindsay Kemp

2010-06-10T09:23:00.000+01:00

Angelo Smimmo en "Oberon" en el espéctáculo teatral "Sueño de una Noche de Verano" de B. Britten, dirigido por Lindsay Kemp.

Vídeo: "Onnagata" de Lindsay Kemp ( Prólogo ).

2010-06-10T09:10:00.000+01:00

Memorable espectáculo concebido y realizado por el gran Lindsay Kemp en 1990, inspiró el personaje de "Onnagata" inspirado en el "Teatro Kabuki Japonés".

Vídeo: "Onnagata" de Lindsay Kemp (Ángel ).

2010-06-10T09:07:00.000+01:00

Memorable espectáculo concebido y realizado por el gran Lindsay Kemp en 1990, inspiró el personaje de "Onnagata" inspirado en el "Teatro Kabuki Japonés".

Vídeo: "Onnagata" de Lindsay Kemp ( Prólogo ).

2010-06-10T09:01:00.000+01:00

Memorable espectáculo concebido y realizado por el gran Lindsay Kemp en 1990, inspiró el personaje de "Onnagata" inspirado en el "Teatro Kabuki Japonés".

Mensaje del "Día Mundial del Teatro" 2010 por Dama Judi Dench.

2010-06-06T22:59:00.000+01:00

El ITI lleva celebrando el Día Mundial del Teatro cada 27 de marzo desde 1961, y cada año realiza un acto para conmemorar este día. La encargada de redactar el mensaje en el presente año ha sido la Dama Judi Dench.

Mensaje del Día Mundial del Teatro

El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para celebrar el Teatro en una miríada de formas. El Teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y también brinda oportunidades para educar e informar.

El teatro se representa en todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también debería hacernos pensar y reflexionar.

El Teatro surge a partir del trabajo en grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir.

El 27 de marzo es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras audiencias, sin los cuales no existiríamos.

Judi Dench, una de las actrices más respetadas y populares del Reino Unido, ha sido la elegida por el Instituto Internacional del Teatro para redactar el mensaje del Día Mundial del Teatro en este 2010, la actriz ha conseguido ganarse una reputación como una de las mejores actrices del período de post-guerra, principalmente por su trabajo en teatro, disciplina que ha sido su punto fuerte a lo largo de su carrera. Fue condecorada por la Orden del Imperio Británico en 1970 para posteriormente ser nombrada Dama. Dench fue conocida sobre el escenario particularmente en la Royal Shakespeare Company, donde representó los roles principales de personajes clásicos, modernos y cómicos, además de contar con una dilatada trayectoria en televisión y cine.

"Mensaje Internacional por el Día Mundial del Títere 2010" escrito por Robert Lepage.

2010-06-06T22:55:00.000+01:00

La asociación internacional UNIMA celebra el 21 de marzo el "Día Mundial de la Marioneta" con la idea de conseguir que el mundo del títere sea más conocido y reconocido también en otros ámbitos de la vida cultural internacional. Robert Lepage es el autor del mensaje del "Día Mundial de la Marioneta".

Como mucha gente, me he sentido profundamente conmovido por el terremoto que acaba de devastar Haití. Viendo las imágenes retransmitidas por la televisión y en la web, me he preguntado, de todas las artes escénicas, ¿cuál sería la mejor para explicar la dimensión humana de tal cataclismo? ¿Cuál sería la mejor para despertar nuestra compasión sin caer en la lástima, para solidarizarnos sin desmoralizarnos? Y ¿cuál podría provocar en nuestros cuerpos el eco del dolor físico de las heridas y amputaciones?
De hecho, me he preguntado ¿cómo trasladar a la escena no solo el dolor del pueblo haitiano, sino también su fuerza que nos conmueve e inspira a la vez?

Considero que la marioneta sería la forma más adecuada para contar tal tragedia. Su impotencia, su vulnerabilidad, pero al mismo tiempo la fuerza de su pureza y de su inocencia crean un lazo íntimo y único con el espectador. Esta solidaridad proviene probablemente de una ventaja que ella tiene sobre el teatro y el cine: el actor actúa, la marioneta no finge jamás
Contrariamente al actor, los malos tratos que imponemos a la marioneta no son fingidos y cuando cortamos sus hilos, le golpeamos, nos reímos de ella, la humillamos la maltratamos o la mutilamos, no se queja jamás. La arreglamos, le volvemos a pegar y se vuelve a poner en pie.

Esta verdad da un poder temible a las marionetas ya que ellas parecen ser capaces de afrontar los ultrajes del destino y poseen el valor necesario para reconstruir un mundo en ruinas.